«Голубка Пикассо облетает мир…»

Хосе Руис Бласко, художник-натуралист из города Малаги, расположенного в испанской Андалусии, обожал голубей. Он держал у себя голубятню и часто изображал этих птиц. Лапки голубям дописывал его маленький сын Пабло, который вырос и создал для человечества графический символ мира — «Голубку Пикассо».

  Имя, известное миллионам

Пабло Пикассо… Испанский и французский художник, скульптор, керамист, график, дизайнер. Основоположник кубизма. Один из самых прославленных творцов ХХ века. «История, кажется, не знала художника, творчество которого вызывало бы столько споров, — утверждал близкий друг Пабло, выдающийся советский писатель и публицист Илья Эренбург. — О Пикассо никто не говорит спокойно; одни его поносят, другие превозносят. (...) Я присутствовал на премьере балета «Парад», декорации были написаны Пикассо, и когда занавес поднялся, в зрительном зале началась драка между сторонниками художника и его противниками. (...) Республиканская Испания, желая показать любовь испанского народа к Пикассо, назначила его почётным директором знаменитого музея Прадо. Народная Польша наградила его высоким орденом. Гитлер приказал удалить его картины из музеев. Трумэн назвал его искусство «развращающим», и Черчилль… пренебрежительно отозвался о живописи Пикассо. (...) Говорят, что его искусство понимают немногие. Имя его известно сотням миллионов людей…. Одни его называют «буржуазным растлителем», другие — «формалистом», третьи — «большевиком в искусстве».

  «Я избрал путь художника и стал Пикассо»

Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис-и-Пикассо — так по испанскому обычаю назвали первенца в семье дона Хосе Руиса Бласко и Марии Пикассо-и-Лопес.

Малыш появился на свет 25 октября 1881 года. «Будущий художник родился в час рассвета, когда в скалистом приморском городе Малаге, расположенном в Андалусии, большое ленивое красное солнце тихо восходило огненным шаром над величественными горами, освещая малонаселённое южное побережье в районе Сьерра-Невады. Когда солнце поднялось выше, вдали сквозь серый туман проступили Средиземное море и Атласские горы» — так красочно, в стиле Пикассо, рисует тот день американский писатель Г. Хаас, автор книги «Юность Пикассо в Париже».

Пикассо — фамилия матери, которую взял себе Пабло.

Мать, укладывая маленького сына в кровать, обязательно рассказывала ему придуманные ею сказки, используя эмоции от прошедшего дня. Потом Пабло говорил, что именно эти сказки и пробудили в нём желание творить, также используя эмоции одного дня.

«Если ты изберёшь путь солдата, быть тебе генералом, если захочешь быть монахом, станешь папой, — говорила мне мать. — Но я избрал путь художника и стал Пикассо».

Восьми лет от роду Пабло написал свою первую серьёзную картину маслом — «Пикадор», с которой не расставался в течение всей жизни.

В возрасте 13 лет Пабло Пикассо с блеском поступил в Барселонскую академию художеств. На подготовку к экзамену, обычно занимавшую у студентов месяц, у Пикассо ушла неделя. Он поразил комиссию мастерством и был принят, несмотря на юный возраст.

Потом отец отправил сына учиться в Мадрид, в престижную Королевскую академию изящных искусств Сан Фернандо, считавшуюся на тот момент самой передовой школой искусств во всей Испании.

В 1897 году 16-летний Пабло приехал в Мадрид. Однако занятия в школе искусств продлились меньше года — в академии с её классическими традициями Пикассо было тесно и скучно. Пабло был захвачен другими прелестями мадридской жизни, а также изучением работ впечатливших его художников — Диего Веласкеса, Франсиско Гойи и в особенности — Эль Греко.

  «Нет ничего хуже, чем великолепное начало»

На выставке «Сальвадор Дали и Пабло Пикассо», которая сейчас проходит в Москве и продлится до 24 января 2027 года, посетители попадают в мир преувеличенно ярких сюрреалистических портретов работы Пикассо. Они вполне могут вызвать ложные мысли о таланте художника. Поэтому девушка-экскурсовод ходит с папкой, из которой вынимает и демонстрирует посетителям картины 15-летнего Пабло Пикассо «Первое причастие» (1896) и «Знание и милосердие» (1897). Написанные в стиле академического реализма, они потрясают ещё больше, чем сюрреалистические рисунки взрослого Пикассо. Посетители спрашивают: как мог 15-летний подросток создать такие совершенные полотна?

В жанровой картине «Первое причастие» фигурирует сестра художника Лола. Врач, образ которого Пабло писал с отца, щупает пульс лежащей на кровати женщины, а с другой стороны монахиня, держащая ребёнка, подносит стакан воды. Работа юного Пикассо «Знание и милосердие» соединяет строгую медицинскую науку и обычное человеческое сострадание.

На выставке в Мадриде 1897 года эта картина вызвала неприязнь критиков: рука больной показалась им недостаточно реалистично выписанной, они назвали её «перчаткой». А ведь именно неправдоподобно длинные пальцы вялой руки — предвосхищение будущей стилистики голубого периода Пикассо.

Совсем иного мнения об этом полотне юного Пабло наши современники. «Пикассо — гениальный академический живописец, — пишет в комментарии Елена из Москвы. — Как кардиолог, обращаю внимание на абсолютно правильный подсчёт пульса, положение руки врача!»

Это свидетельствует о том, что с юных лет Пабло умел отразить на бумаге натуру с максимальным сходством с оригиналом, что в русле академического искусства он чувствовал себя как рыба в воде. Мальчик рисовал прохожих, многочисленных соседей, друзей. Создал портрет отца, похожего на Дон Кихота, и поражающий своей натуральностью образ матери — в воздушной блузке, с живым блеском чёрных волос. Портрет Марии Пикассо-и-Лопес, имевшей итальянские корни, выполненный пастелью на бумаге в традиционном реалистическом стиле, настолько не похож, к примеру, на «Портрет Доры Маар» (1937) — лицо, изображённое одновременно анфас и в профиль, глаза (один зелёный, другой розовый) смотрят в разные стороны. Трудно поверить, что создавал их один и тот же человек. Причём портрет матери писал 15-летний Пабло, а сюрреалистическую Дору Маар он рисовал в 56 лет.

Великолепные полотна «Мальчик из хора», «Ребёнок и кукла», «Портрет тётушки Пепы» Пабло Пикассо тоже создал в 1896 году, когда ему было те же 15 лет.

  «Все имеют право меняться, даже художники»

В Барселону Пикассо вернулся в июне 1898 года — в этом городе его тоже влекло всё новое. Юноша стал завсегдатаем художественного кафе «Четыре кота». Там выступали артисты китайского театра кукол и теней, а известные живописцы Рамон Касас и Мигель Утрильо пересказывали легенды из жизни парижского Монмартра. В Барселоне Пикассо сблизился со своими будущими друзьями Карлосом Касагемасом и Хайме Сабартесом.

С Карлосом Касагемасом в конце 1900 года Пабло впервые посетил Париж. Юный испанский художник Пикассо с отчаянным нравом и пылким сердцем приехал в столицу Франции, будто ступив на залитую солнцем арену корриды — он готов дразнить грозного быка и выйти из боя победителем. Этот город закалил его характер и вознаградил его славой.

В Париже Пикассо посетил проходившую там Всемирную выставку, познакомился с творчеством импрессионистов.

Пробы молодого мастера «поговорить на различных стилистических языках» включают портрет сестры, вызывающий в памяти именно полотна импрессионистов, а завершают галерею ранних работ такие произведения, как «Испанская пара перед гостиницей» (1900).

Достигнув профессионализма в реалистической передаче натуры, Пикассо посчитал этот вариант живописи для себя архаичным и отвергнул его как пройденный этап.

  «Я погрузился в синий цвет…»

Жизнь Пабло Пикассо на рубеже XIX — ХХ веков была сопряжена со многими трудностями, а самоубийство Карлоса Касагемаса 17 февраля 1901 года потрясло юношу. С гибелью близкого друга Пабло вновь пережил глубокую душевную боль — несколькими годами ранее он уже испытывал подобное после смерти младшей сестры Кончиты. Из этой печали и вырос голубой период творчества Пабло Пикассо — работы, созданные между 1901 и 1904 годами.

В свои права голубой период вступал постепенно: в картинах Пикассо появились достаточно жёсткие контуры фигур, мастер перестал стремиться к «трёхмерности» изображений, стал уходить от классической перспективы. «Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касагемас мёртв», — говорил позже Пабло Пикассо.

Серо-голубые и сине-зелёные глубокие холодные цвета, цвета печали и уныния, постоянно присутствуют в его работах. Пикассо называл голубой «цветом всех цветов».

Частые сюжеты этих картин — измождённые матери с детьми, бродяги, нищие, слепые. «Кто грустен, тот искренен», — считал Пикассо. Наиболее известные картины этого периода: «Любительница абсента» (1901), «Склонившийся Арлекин» (1901), «Свидание» (1902), «Жизнь» (1903), «Завтрак слепого» (1903), «Старый гитарист» (1903), «Старый еврей с мальчиком» (1903), «Гладильщица» (1904), «Двое» (1904) и другие работы.

Вместе с тем голубой период, пожалуй, первый этап в творчестве Пабло Пикассо, применительно к которому можно говорить об индивидуальности молодого мастера.

  «Девочка на шаре»

В 1904 году Пикассо поселился в Париже. Как и многие художники того времени, он проживал на Монмартре, в общежитии Бато-Лавуар. У подножия Монмартрского холма располагался цирк Медрано, который предоставлял массу материала для художника. У Пабло стали доминирующими новые темы — актёры, акробаты, атлеты. Любимый персонаж Пикассо того времени — арлекин. На полотнах художника стали появляться жемчужно-серые, охристые, розово-красные тона.

Начинался новый период творчества — розовый, словно купол цирка Медрано. Переходом от голубой печали к розовой радости стала для Пикассо его знаменитая картина «Девочка на шаре» (1905).

Это полотно — некий синтез голубого и розового периодов творчества художника. Оно удивительным образом совмещает в себе и неуловимую тревожность первого, и лёгкую безмятежность второго.

Атлет с задумчивым лицом, неподвижно сидящий на массивном кубе, — это тот комплекс чувств, с которым художник жил и творил в недавнем голубом периоде.

На переднем плане — насыщенный синий цвет шорт силача. Лиловый оттенок костюма девочки, балансирующей на шаре. И серо-голубой колер юбки женщины на дальнем плане.

Но — бледно-алый цветок в волосах юной акробатки. Но — светло-красный наряд на малышке возле женщины. Но — безмятежно пасущаяся белая лошадь на розоватом фоне.

Балансируя вместе с девочкой, Пикассо постепенно переходит из холодной голубизны в пастельно-розовое тепло жизни, которая, несмотря ни на что, продолжается.

К началу розового периода относятся его замечательные картины «Актёр», «Женщина в рубашке», «Акробаты. Мать и сын», шедевр «Семейство комедиантов».

Розовый, или цирковой, период в творчестве художника был относительно недолгим (с осени 1904 года до конца 1906-го), но очень важным. Он был отмечен началом стилистических экспериментов Пикассо с примитивизмом, что в конечном счёте привело его к африканскому периоду.

  «Я не ищу новых форм, я их нахожу»

На рубеже XIX—XX веков Франция обладала огромной колониальной империей в Африке. Но европейская, в том числе и французская, буржуазия считала Африку и Океанию примитивными землями, изобилующими мистицизмом и дикостью. В то же время многие присваивали культуру туземцев для своей собственной художественной и социальной выгоды, очарованные её экзотической фантазией. Но очень немногие обладали глубоким пониманием культуры обитающих там народов. Награбленные предметы из африканских колоний были привезены и выставлены в обветшалых галереях этнографического музея Трокадеро в Париже.

Пикассо побывал в музее, и в грубых произведениях безымянных африканских мастеров увидел мощные художественные образы: «Люди пытались преодолеть свои страхи, давая им цвет и форму».

Открыв для себя древнее искусство Африки, художник почувствовал потребность в изменении собственного творческого стиля. Первой картиной Пикассо, основанной на африканских скульптурах, считается работа 1907 года «Авиньонские девицы», где художник сознательно упрощает формы изображаемых объектов, грубо штрихует и намеренно деформирует лица, превращая их в ритуальные деревянные маски. В продолжение «Авиньонских девиц» Пикассо создал множество персонажей, лицам которых он придал черты африканских масок. К ним относятся написанные в 1907 году картины «Автопортрет», «Мать и ребёнок», «Танец с покрывалами», «Дружба» (1908) и др. Африканский период Пабло Пикассо длился с 1907 по 1909 год и предшествовал его кубизму.

  «Всё, что ты можешь вообразить, — реально»

От экспериментов с цветом и передачи настроения Пикассо обратился к анализу формы: сознательная деформация и деструкция натуры («Авиньонские девицы»). Односторонняя интерпретация системы французского живописца Поля Сезанна (Пикассо взял лишь один из аспектов сложной художественной философии Сезанна (структурный) и развил его до абсолютного предела) и увлечение африканской скульптурой привели его к абсолютно новому жанру. Вместе с французским художником Жоржем Браком Пикассо основал кубизм — авангардное течение, отвергающее традиции натурализма и изобразительно-познавательную функцию искусства.

В кубизме привычные предметы изображены не так, как мы видим их в жизни, а разложены на простые геометрические фигуры (кубы, конусы, цилиндры) и показаны сразу с нескольких точек зрения.

В 1909 году Пабло Пикассо написал многочисленные портреты, развивая и совершенствуя свой новый стиль: «Сидящая женщина», «Женщина с веером» «Женщина с грушами. Фернанда». «В период аналитического кубизма эту же манеру Пикассо можно рассмотреть на портрете Амбруаза Воллара, над которым он работал в 1910 году.

  В произведениях синтетического кубизма Пикассо зачастую использовалась техника коллажа, они включали в себя дотоле «посторонние» искусству элементы (газеты, ткани, крупинки песка, земли) и превращались в некие арт-объекты: «Гитара» (1913), «Композиция с гроздью винограда и разрезанной грушей» (1914) и т.д.

«Я могу рисовать, как Рафаэль, но мне понадобится вся жизнь, чтобы научиться рисовать так, как рисует ребёнок», — говорил Пабло Пикассо.

Советский философ-марксист, эстетик Михаил Лифшиц в своей знаменитой критике модернизма (в частности, в книге «Кризис безобразия. От кубизма к поп-арт», 1968) утверждал, что модернизм  всего лишь симулирует детскую непосредственность. Лифшиц подчёркивал, что Пикассо — блестящий академический рисовальщик, который умел писать, как классические мастера. Поэтому его уход в кубизм — это сознательный отказ от культурной традиции и реализма. Разочаровавшись в мещанском обществе конца XIX — начала XX века, интеллигенция, по мнению Лифшица, впала в исторический пессимизм и инфантилизм. Вместо преобразования реальности художники решили уйти в «первобытное» состояние, подражая примитивному искусству. Философ критиковал модернистов за то, что они приравняли ценность случайного мазка или геометрического осколка формы к выверенному человеческому труду.

Но и для самого Пикассо кубизм постепенно становился уже внутренне пережитым опытом, раскрепостившим его кисть. Позже он говорил: «Если задуматься, я, наверное, художник без стиля. «Стиль» нередко лишь сковывает художника, навязывает ему одну точку зрения на вещи, одни и те же приёмы, одни и те же формулы, и так год за годом, иногда на всю жизнь».

  «Любовь — лучший восстановитель»

В 1916 году Пабло Пикассо начал сотрудничать с труппой Сергея Дягилева («Русский балет Дягилева»). Художник был приглашён оформить знаменитый балет «Парад», для которого создал кубистические декорации и костюмы.

Во время работы над «Парадом» Пикассо познакомился с русской балериной Ольгой Хохловой, которая позже стала его первой женой: их свадьба состоялась в 1918 году.

Ольга, воспитанная на традиционном искусстве, хотела выглядеть на полотнах мужа реалистично и узнаваемо. Желание любимой женщины совпало с внутренним настроем художника. Пикассо перешёл к классическому реализму с его изящным и тщательным рисунком.

В 1918 году он создал свою яркую и филигранную картину «Купальщицы». В отличие от угловатых форм кубизма, Пикассо возвратился к мягким линиям в духе французского художника Жана Огюста Доминика Энгра.

Пабло был уверен, что его любовь с Ольгой Хохловой на всю жизнь. Молодожёны подписали брачный контракт, в котором все его картины принадлежат ему и ей поровну.

4 февраля 1921 года у супругов родился сын Пауло. Это был самый счастливый период в их семейной жизни.

Символом этой вехи творчества Пикассо является множество чудесных портретов жены. Её образы, например, «Портрет Ольги в кресле» (1918) или работы начала 1920-х годов, отличаются ясными линиями.

С любовью рисовал Пикассо и маленького сына Поля — в костюме Арлекина, в круглой шляпе, сидящим на ослике.

Витавший в воздухе 1920—1930-х годов интерес, с одной стороны, к монументальному в искусстве, а с другой — к «новой вещественности» (художественное течение в Германии с установкой «писать, как есть», доходя до гротеска), Пикассо воплотил в своих знаменитых «Женщинах, бегущих по пляжу» (1922), «Матери и ребёнке» (1922), «Деревенском танце» (1922—1923) и др.

«Его большие так называемые реальные полотна, эти женщины с огромными круглыми руками — конечно, не возврат к классицизму, а если уж хотите употреблять слово «классицизм» — утверждение нового классицизма», — писал Владимир Маяковский, посетивший в 1922 году мастерскую Пабло Пикассо в Париже и увидевший его полотна, о которых здесь идёт речь.

  «Художник — вместилище эмоций…»

В 1925 году Пикассо написал картину «Три танцора». Агрессивная, болезненная, с деформированными фигурами, она отразила тяжёлый период в семейной жизни художника с Ольгой Хохловой. (В 1936 году Пабло и Ольга расстались, но официально не были разведены вплоть до её смерти в 1955 году.)

Период сюрреализма (1925—1937) — самый сложный и неровный период жизни художника. В творчестве Пикассо возникла тема быка, возможно, после поездок в родную Испанию в 1933 и 1934 годах (серия гравюр с мифологическим Минотавром). Этот образ смертоносного быка завершил его сюрреалистический период и одновременно определил главную тему знаменитой «Герники» (1937).

  «Я выступаю за жизнь против смерти…»

17 июля 1936 года на родине Пикассо началась гражданская война между молодой Испанской республикой (коммунистами, социалистами, анархистами) и военными во главе с генералом Франко, правыми и ультраправыми партиями.

Пабло Пикассо с первых же её дней стал на сторону республиканцев, выступив против бесчеловечности фашизма. Он переводил республиканскому правительству Испании крупные суммы денег.

В январе 1937 года художник создал ряд гравюр и стихотворений на тему «Мечты и ложь Франко».

26 апреля 1937 года союзники испанских фашистов, самолёты немецкого легиона «Кондор», разбомбили баскский городок Гернику. Немцы убивали именно население Герники: бежавших из города людей расстреливали из бортовых пулемётов.

Пабло Пикассо ещё в январе получил заказ республиканского правительства — исполнить панно для испанского павильона на Международной выставке в Париже. Он медлил, обдумывая тему. Трагедия Герники сразила художника, «как удар бычьего рога».

Пикассо писал свою «Гернику» около месяца, в первые дни лихорадочно работая по 10—12 часов.

«Я не выпускал из рук кисточки, как республиканские солдаты — ружья», — признался мэтр в одном из интервью. Это было самой большой его работой — холст тянулся в длину на 7,76 метра и в высоту — на 3,49 метра.

Мастер отказался от цвета и заполнил пространство чёрно-белыми образами страданий, жестокости, горя и безумия — так он видел происходившее на своей родине.

1 мая Пикассо сделал первый карандашный набросок, 11 мая приступил к работе над холстом, а в начале июня готовое панно уже висело на Международной выставке в Париже и быстро обретало всеобщую известность.

«Герника» — это не кубизм и не сюрреализм: это хаос, это гибель самой материи. «Пикассо увидел новые времена, массовую смерть, незримую и страшную. Он отказался от изображения той или иной сцены, он показал войну такой, какой он её мыслит, — писал Илья Эренбург. — Каковы зрительные элементы трагедии? Ни лётчиков, ни бомб, ни орудий; умирающая лошадь, меч воина, женщина в огне, вылетающая из окна, самодовольный, спокойный бык, яркая лампа, голосящая мать, которая сжимает труп своего ребёнка. Краски почти отсутствуют. Большие геометрические плоскости передают современный, механический характер бойни… Я вспоминаю слова Матисса о Пикассо: «Можете всегда им восхищаться — он пишет своей кровью…»

«Это вы сделали?» — спросил нацистский офицер, увидев в доме Пикассо фотографию «Герники». «Нет! — ответил художник. — Это сделали вы!..»

«Товарищ Пикассо»

В годы Второй мировой войны Пабло Пикассо жил в оккупированной нацистами Франции, где сблизился с коммунистами — участниками Сопротивления.

В 1944 году Пикассо вступил в Коммунистическую партию Франции, стал «товарищем Пикассо». Друзья рассказывали, что он выполнял все поручения партии. По первому же запросу рисовал плакаты, наброски для иллюстраций газет, вёл пропаганду в массах.

«Моя преданность коммунистической партии — это логический итог всей моей жизни, — говорил Пабло Пикассо. — Ибо я рад сообщить, что никогда не рассматривал живопись просто как искусство, доставляющее удовольствие и служащее неким отвлечением от проблем. Мне всегда хотелось через рисунок и цвет, поскольку они являются моим оружием, проникать как можно дальше и глубже в сознание мира и отдельных людей таким образом, чтобы это понимание могло каждый день ещё больше освобождать нас... Минувшие годы ужасного притеснения доказали мне, что я должен бороться не только своим искусством, но и всем своим естеством».

Илья Эренбург, знавший Пикассо на протяжении более полувека, вспоминал: «Я запомнил его фразу: «Коммунизм для меня тесно связан со всей моей жизнью как художника…» Над этой связью не задумываются враги коммунизма. Порой она кажется загадочной и для некоторых коммунистов. Порой некоторые из его политических единомышленников отвергали его произведения. Он принимал это с горечью, но спокойно, говорил: «В семье всегда ругаются…»

Наиболее значимыми фигурами из круга друзей-коммунистов Пабло Пикассо были поэты Поль Элюар, Луи Арагон, писатель Пьер Дэкс, художник-авангардист Фернан Леже, советский писатель Илья Эренбург, благодаря которому в 1956 году в Москве состоялась первая масштабная выставка Пикассо.

В 1949 году французский поэт-коммунист Луи Арагон готовился к Всемирному конгрессу сторонников мира в Париже. Он искал рисунок, который стал бы эмблемой конгресса, и пришёл за этим в мастерскую Пикассо.

В альбомах художника Арагон обнаружил литографию с миланской голубкой. Он поручил сделать с ней тысячи плакатов, и вскоре они были расклеены по всему Парижу.

По словам Ильи Эренбурга, голубки Пикассо, которых он видел потом в деревнях Китая, в Аргентине, Индии и других странах, чисты, трогательны, беззащитны и одновременно непобедимы, как совесть народов.

«Я выступаю за жизнь против смерти; я выступаю за мир против войны», — произнёс художник в 1950 году на Всемирном конгрессе сторонников мира в английском городе Шеффилде.

Но вот оригинал «Синего голубя» Пикассо — его все знают летящим с оливковой ветвью в клюве — выставлен не во Франции и не в Испании. Познакомиться с ним можно было в музее села Пархомовка Харьковской области.

«Извини, Пабло, но твои работы я подарил какому-то деревенскому учителю, в его деревенскую галерею. Я думаю, они там нужнее. Ты меня поймешь», — написал Илья Эренбург своему другу. Родители Эренбурга жили в Полтаве, и писатель неоднократно туда приезжал. Когда он узнал о существовании музея в небольшом селе на границе трёх областей — Харьковской, Полтавской и Сумской, решил передать ему четыре работы Пикассо, в том числе и «Синего голубя», созданного в 1961 году.

Хочется верить, что после победы над украинским нацизмом этот голубь мира навсегда возвратится домой.

В 1962 году испанский и французский художник Пабло Пикассо стал лауреатом Международной Ленинской премии «За укрепление мира между народами».

Умер Пикассо 8 апреля 1973 года в городе Мужене во Франции и похоронен около принадлежавшего ему замка Вовенарг. Он оставил после себя от 45000 до 50000 (и более) произведений искусства.

«Почему две краски, расположенные рядом, поют? — спрашивал художник. — Может ли кто-то объяснить это? Нет. Поэтому никто никогда не сможет научить рисовать».

Мастер, чьё творчество кардинальным образом повлияло на ход развития искусства и культуры всего XX века, менял стили и техники: безжалостно расчленял предмет исканий в кубизме, вновь собирал его, обратившись к неоклассицизму, пробовал себя в сюрреализме, расписывал стены, занимался скульптурой и керамикой.

И всё это лишь для того, чтобы в итоге всего несколькими плавными и точными линиями создать так необходимую человечеству белую птицу надежды.

«Голубка Пикассо» облетает мир, — говорил лауреат Сталинской премии мира Пабло Неруда, — и ни один преступный птицелов не сможет остановить её полёт…»

Фотобанк ТАСС